Joan Jonas, née en 1936 à New York, explore depuis toujours la performance et le dessin en relation avec les phénomènes naturels. Aujourd’hui partagée entre les États-Unis et le Canada, elle poursuit le développement de sa pratique à travers des collaborations avec des performeurs et la réactivation d’installations antérieures dans les musées et galeries, mais aussi de nouveaux dessins et de nouvelles oeuvres. À la suite de sa grande rétrospective présentée au Museum of Modern Art (MoMA) de New York en 2024, Joan Jonas expose un nouvel ensemble d’œuvres jusqu’en mars 2026 au Farnsworth Art Museum de Rockland, en collaboration avec la Holt/Smithson Foundation. Intitulé The Island Project: Point of Departure, ce programme réunit des commandes passées à des artistes ayant collaboré avec ou ayant été influencés par Nancy Holt (1938–2014) et Robert Smithson (1938–1973) — deux figures majeures de l’histoire du Land Art, avec lesquelles Joan Jonas a entretenu un dialogue ininterrompu autour du paysage, de la perception et de la temporalité.

 

Quelles sont les bases de votre travail depuis les années 1970 ?

Je base mes recherches sur la perception. Comment le public perçoit-il mon travail ? Depuis la fin des années 1960, le miroir est mon principal accessoire. Pour le public, les miroirs tenus par les performeurs reflètent l’espace, les autres performeurs et le public lui-même. Cela influence la manière dont le public perçoit la pièce. Ensuite, la technologie de la vidéo m’a permis de créer ce que j’appelais des films, qui reflétaient ce que je faisais dans mon espace de studio avec le moniteur vidéo. Parallèlement, j’ai commencé à travailler en extérieur, et cette perspective s’est déplacée vers la notion de distance et la façon dont la distance modifie la perception. Depuis le tout début, la littérature a été une grande partie de mon langage, incluant les idées de mythologie et de rituel. L’écrivain Borges a joué un rôle majeur dans ces réflexions.

 
 

En 1979, vous avez créé la Hurricane Series. Les ouragans sont un phénomène de plus en plus fréquent dans le monde. Vous aviez anticipé qu’ils deviendraient une menace quotidienne aujourd’hui. Pouvez-vous expliquer le contexte de cette œuvre ?

La Hurricane Series est une série de lithographies. J’ai choisi ce titre parce que j’aimais le symbole abstrait représentant un ouragan dans les images météorologiques. Cette série inclut également des images de la lune et du soleil.

 

 
 

Mirror Piece I & II a été présenté en septembre au Kulturforum de Berlin, à la Neue Nationalgalerie — une reprise de votre performance créée en 1969, avec des femmes portant des miroirs et faisant face au public. Quelles émotions cette œuvre suscite-t-elle aujourd’hui ? Soulève-t-elle de nouvelles questions ? Est-elle liée à l’écoféminisme ou à la conscience critique de soi ?

Cette œuvre a été conçue et jouée en 1969, et elle traite en partie de l’auto-examen, mais aussi simplement du rituel consistant à marcher très lentement en portant des miroirs qui reflètent tout, y compris le public. Je ne traite pas de l’émotion, et mes performeurs non plus. Ce sur quoi nous nous concentrons, c’est le mouvement, le son, l’image et la manière dont ces éléments s’articulent entre eux ou avec les autres.
Je suis la conceptrice et la directrice, et les performeurs suivent plus ou moins mes indications. La pièce est restée aussi fidèle que possible à sa forme originale depuis le début des années 1970.
J’ai observé ces reconstitutions, et j’ai remarqué une forte parenté avec le rituel, et en particulier la lenteur de ses gestes. Très lents. Ce n’est pas, en soi, une œuvre écoféministe ni une réflexion sur la conscience critique de soi (peut-être dans la perception du public), mais ce ne sont pas les idées fondatrices du travail. En un sens, c’est une œuvre très abstraite. Les performeuses portent les miroirs, et les deux performeurs masculins portent une femme vêtue d’un kimono. Tout cela faisait référence au genre, à l’époque où j’ai créé la pièce.

 

 
 

Votre vidéo Reanimation (2010- 2012-2013) est une performance montrant un glacier en train de fondre, avec des animaux que vous dessinez sur vous-même tout en portant un masque et une robe blanche. Jason Moran vous accompagne avec des improvisations musicales, et vous improvisez aussi sur scène. Peut-on dire que cette œuvre est un poème visuel sur la nature qui s’efface ?

Je le formulerais un peu différemment. On pourrait dire que c’est un poème visuel sur le climat, la planète, et sur la situation des animaux et des humains dans un champ en mutation constante. On peut l’appeler un poème visuel sur la manière dont le climat affecte la nature, mais ce n’est en aucun cas une œuvre sur la « nature qui s’efface ».

 

 
 

Votre exposition à la Pace Gallery de Tokyo, organisée par votre ami Adam Pendleton, mettait récemment l’accent sur l’intimité de votre pratique du dessin. Comment avez-vous collaboré ? Quelle est votre relation au dessin ?

Adam a choisi, dans mes archives, les dessins présentés dans l’exposition. Le dessin est une part intégrante de ma pratique. Je dessine en continu, en lien avec le contexte, le mouvement, la recherche et l’espace. Le dessin est pour moi une activité fondamentale, et il crée un autre niveau de signification dans une œuvre qui inclut la vidéo, le mouvement et la performance.

 

 
 

Vous exposez actuellement au Farnsworth Art Museum à Rockland, dans le Maine. Quel est votre lien avec le Maine, et quelle était votre relation avec Nancy Holt et Robert Smithson ?

Ma connexion avec le Maine vient du fait que The Island Project, de Robert Smithson et Nancy Holt, se trouve dans une petite ville sur la côte du Maine. Cette île est juste au large de ce rivage. Dans l’exposition, il y a un oiseau en bois que j’ai trouvé dans cette ville. Je travaille souvent avec des objets trouvés et l’art populaire, et cela m’a semblé très approprié.
Robert et Nancy étaient des amis proches. J’ai suivi leurs travaux, en particulier celui de Smithson. J’ai décidé de représenter l’île en réalisant une grande installation de roches dans la galerie. J’y ai inclus une vidéo de Richard Serra et Robert Smithson discutant, lorsque nous étions tous à St. Louis — j’étais alors avec Richard, qui travaillait sur son œuvre en plein air là-bas. Ma seule véritable connexion avec le Maine passe à travers ces processus artistiques.

 

 
 

Comment les improvisations vous permettent-elles de raconter des histoires sur la nature ?

L’improvisation a toujours fait partie de mon travail, comme pour beaucoup d’autres artistes. C’est ainsi que l’on commence à explorer les mouvements, les idées, etc. La nature est l’un des nombreux sujets possibles. L’improvisation ne relie pas intrinsèquement un artiste à un thème comme la nature. C’est avant tout un processus.

 
 

En quoi la performance vous permet-elle de transmettre une conscience écologique ?

Pour envisager la performance en direct, je dois d’abord explorer la vidéo et la technologie en relation avec les images, ainsi que mener des recherches fondées sur des sources extérieures. Ce n’est donc pas seulement une question de performance en direct : cela s’applique à chaque sujet. La « conscience écologique » naît toujours d’une recherche approfondie et d’une observation de ce qui se passe sur Terre et dans le climat. J’utilise ainsi des projections et le récit pour me concentrer sur certains thèmes, comme les animaux marins ou certaines espèces particulières. Dans mes travaux à dimension écologique, j’ai souvent travaillé avec de jeunes adultes et des enfants comme performeurs. Cependant, ils ne participent pas à la création du contenu. L’une de mes idées en les faisant jouer, c’est qu’ils hériteront de cette planète après moi, et je veux qu’ils aient un contact avec ce qui est en train de disparaître.

 

Juliette Soulez pour Art of Change 21

Couverture: Portrait of Joan Jonas by Maximilan Geuter, 2022